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CALL FOR ARTISTS
7^ edition
La galleria Nucleika di via Umberto a Catania ha dato vita alla Cultura delle immagini offrendo i suoi locali agli artisti cioè ai comunicatori che grazie all’arte dei segni lanciano il loro pensiero , impresso su tele, legni, pietre ,cartoni ,per fare conoscere ciò che si nasconde nelle segrete pieghe delle loro coscienze.
Scorrendo la lunga fila di immagini che decorano le pareti della Galleria , decodifichiamo le idee ed i progetti necessari non solo a capire ma anche a trasformare il mondo che ci circonda e che esige la partecipazione di tutti , artisti delle parole ed artisti dei segni.
La Mostra collettiva non ha un tema . E’ varia. E’ libera .E’ libertaria e come tale comunica con tutti e lancia i suoi messaggi di pace, di libertà , di diritti essenziali, di echi epocali che ci vorrebbero buoni e sodali mentre siamo cattivi , incivili .
Siamo ancora Barbari perchè facciamo la Guerra uccidendo con le armi e privando del pane chi sacrifica il proprio corpo per i lussi di pochi. Il messaggio che oggi la Nucleika lancia con i segni, i volti, i colori, le materie accorpate dagli artisti ,addossati alle pareti , non è la rituale pacificazione ma è un grido di dolore per fare intendere che la FAME pretende il suo cibo e lo esige.
Ed è con la fame ed il dolore che i segni degli artisti, ammessi a questa collettiva , vogliono far capire ai potenti della terra che l’attesa pretende interventi riparatori e non carneficine. Se leggiamo i messaggi che i singoli artisti hanno trasmesso con le loro opere notiamo che alla levità e dolcezza dei segni si accompagna un sentimento di dolore per ciò che manca ; per ciò che viene sottratto con quel Tram che si chiama desiderio, all’essenza vitale di ogni individuo . La parola abusata Pace non ha più valore.
Con gli artisti che animano queste sale vorremmo gridare BASTA. Il Potere dispieghi altrove le sue voglie. La convivenza risiede in queste due sale dove AMORE, LETIZIA E SAGGEZZA sono figlie del COLORE che parla più e meglio della penna o dell’AI . Ed è proprio all’AI che l’artista Agata Leocata lancia il grido , soffuso di ironia, “Chat gpt please save my soul “ nella speranza di aver salva almeno l’anima.La sua tela ci offre l’immagine di un mostro /demone “aggredito dalla formula mantrica evocatrice della ricerca di spirito e senso religioso. “
E’ interessante seguire il corso delle immagini e le note che le accompagnano per scoprire che l’AI può avere un’anima.
Sarà il futuro a predirlo? Il messaggio lo lancia Blago Art e noi lo raccogliamo.
Così come ci addolorano le immagini del mare che divora gli umani . Di questa collettiva conserveremo un ricordo ed una lezione:
l’arte dei segni si fonda su messaggi che l’artista lancia agli umani allo scopo di scuoterli dal loro torpore ed invitarli a vedere che non ci sono barriere insuperabili e che anche le pietre avvertono il senso del dolore ed iil bisogno di amare.
dott.ssa Lina Arena
la mostra è visitabile dal
lunedì al venerdi 11:00 - 13:30 16:30 - 19:30
sabato 11:00-13:00
Chat gpt please save my soul - Agata Leocata
‘Chat gpt please save my soul’ fa dell’autoironia sulla mia (forse nostra) totale dipendenza dall’AI su ogni cosa: ogni dubbio, problema, questione filosofica o meno, ricetta culinaria, equazioni matematiche.
La ripetizione della frase che corona il mostro/demone come formula mantrica evocatrice della ricerca di spirito e senso religioso anche nell’artificiale.
E allora ti prego Chat gpt, salvami, salva la mia anima.
La ripetizione della frase che corona il mostro/demone come formula mantrica evocatrice della ricerca di spirito e senso religioso anche nell’artificiale.
E allora ti prego Chat gpt, salvami, salva la mia anima.
Bombe di colore - Alfredo Covato
Una fotografia vintage in bianco e nero ritrae un militare, ricordo di un passato di guerra.
Il contrasto tra l’immobilità dell’immagine e i colori vivaci dei coriandoli accentua il senso di rottura e trasformazione.
Dove ci si aspetterebbe la caduta di bombe, cadono segni di festa. Il colore sostituisce la distruzione, la leggerezza prende il posto della violenza.
I coriandoli, simbolo di felicità e pluralità, invadono anche la cornice, affermando che la celebrazione non dovrebbe essere della guerra, ma della diversità, dell’amore e della gioia di vivere.
Il contrasto tra l’immobilità dell’immagine e i colori vivaci dei coriandoli accentua il senso di rottura e trasformazione.
Dove ci si aspetterebbe la caduta di bombe, cadono segni di festa. Il colore sostituisce la distruzione, la leggerezza prende il posto della violenza.
I coriandoli, simbolo di felicità e pluralità, invadono anche la cornice, affermando che la celebrazione non dovrebbe essere della guerra, ma della diversità, dell’amore e della gioia di vivere.
Coalescere - Alice Muratore
Coalescere è l’accettazione del divenire-altro senza perdersi, di crescere insieme attraverso la materia e le relazioni. È un movimento lento e continuo, fatto di contatto, nutrimento e rigenerazione. Racconta della nascita di Ifa generata da un’unione queer e i filamenti del micelio e le piume che sorreggono il suo corpo si estendono nel paesaggio divenendo tracce di una fluida coesistenza multispecie. Ifa è un corpo privo di scheletro, proteiforme, che si costituisce attraverso l’incontro con altri esseri e altre materie, dissolvendo i confini tra umano, animale, vegetale e non-vivente. L’identità emerge così come qualcosa di relazionale e interspecifico, costruito nella contaminazione.
All’interno del video, alcune parti sono state manipolate attraverso l’utilizzo dell’intelligenza artificiale, che prende parte al processo come agente non umano; una collaborazione che contribuisce alla dimensione mitopoietica del lavoro e permette di oltrepassare la visione esclusivamente antropocentrica della creazione, generando immagini ibride, instabili e in continuo mutamento. Coalescere diventa così una pratica di crescita e risanamento, una forza generativa che nasce dalla fusione in cui la vita si manifesta come rete pulsante di relazioni, alleanze e metamorfosi.
All’interno del video, alcune parti sono state manipolate attraverso l’utilizzo dell’intelligenza artificiale, che prende parte al processo come agente non umano; una collaborazione che contribuisce alla dimensione mitopoietica del lavoro e permette di oltrepassare la visione esclusivamente antropocentrica della creazione, generando immagini ibride, instabili e in continuo mutamento. Coalescere diventa così una pratica di crescita e risanamento, una forza generativa che nasce dalla fusione in cui la vita si manifesta come rete pulsante di relazioni, alleanze e metamorfosi.
Pupa - Andrea Parisio
La figura appare esposta, come un oggetto in vetrina: immobile, priva di autonomia, quasi plasmata da uno sguardo esterno che la definisce e la modella.
Il titolo PUPA rafforza questa visione: non solo giovane donna, ma presenza costruita, creata per essere osservata. L’opera si configura così come una riflessione sulla figura femminile intesa immagine, sospesa tra identità e rappresentazione, fragile nella sua apparente perfezione.
Il titolo PUPA rafforza questa visione: non solo giovane donna, ma presenza costruita, creata per essere osservata. L’opera si configura così come una riflessione sulla figura femminile intesa immagine, sospesa tra identità e rappresentazione, fragile nella sua apparente perfezione.
IO E FRIDA (augurio di un padre) - Andrea Parisio
L’espressione serena del volto suggerisce fiducia e abbandono, come se la figura custodisse dentro di sé un mondo ancora in divenire. L’opera diventa così un
augurio silenzioso: lo sguardo amorevole di un padre verso la figlia che cresce, il desiderio che possa camminare nella vita protetta, fortunata e sempre accompagnata da una dolce leggerezza.
augurio silenzioso: lo sguardo amorevole di un padre verso la figlia che cresce, il desiderio che possa camminare nella vita protetta, fortunata e sempre accompagnata da una dolce leggerezza.
“Out out” e “La carne delle piante” - Aurora Bresci
“Out out” e “La carne delle piante”
“Out Out” e “La carne delle piante” si pongono in dialogo come due momenti di una stessa riflessione sulla perdita e sulla memoria.
Out Out presenta tre cartoline che raffigurano Gaza e alcuni suoi quartieri devastati. Il linguaggio turistico delle intestazioni (“Visit…”, “Welcome…”) entra in cortocircuito con la distruzione delle immagini.
Le figure ritratte di spalle, vulnerabili davanti alle proprie case ridotte in macerie, trasformano la contemplazione in presa d’atto della rovina. L’immagine richiama una tradizione della contemplazione, ma ne rovescia il senso: non più il sublime della natura, bensì la presa d’atto della desolazione e del declino umano.
In dialogo, La carne delle piante ricompone frammenti vegetali in piccoli organi fittizi: forme ibride che rendono la natura un corpo ferito ma ancora vitale.
Le due opere attivano così una memoria viscerale, dove ciò che è stato distrutto non scompare, ma continua a esistere come traccia e responsabilità.
“Out Out” e “La carne delle piante” si pongono in dialogo come due momenti di una stessa riflessione sulla perdita e sulla memoria.
Out Out presenta tre cartoline che raffigurano Gaza e alcuni suoi quartieri devastati. Il linguaggio turistico delle intestazioni (“Visit…”, “Welcome…”) entra in cortocircuito con la distruzione delle immagini.
Le figure ritratte di spalle, vulnerabili davanti alle proprie case ridotte in macerie, trasformano la contemplazione in presa d’atto della rovina. L’immagine richiama una tradizione della contemplazione, ma ne rovescia il senso: non più il sublime della natura, bensì la presa d’atto della desolazione e del declino umano.
In dialogo, La carne delle piante ricompone frammenti vegetali in piccoli organi fittizi: forme ibride che rendono la natura un corpo ferito ma ancora vitale.
Le due opere attivano così una memoria viscerale, dove ciò che è stato distrutto non scompare, ma continua a esistere come traccia e responsabilità.
Respiro del Blu - Azzurra Lo Bello
In Lei si scioglie la quiete dopo la tempesta.
“Respiro del Blu” è un inno alla rinascita, dove il silenzio si trasforma in voce e la fermezza delle proprie scelte e dei propri pensieri, in libertà.
Il blu diventa un respiro che attraversa il corpo, un colore che cura, che accoglie e libera.
Nel suo sguardo, fermo e fiero, ci sono le parole che non si ha più necessità di dire. Le sfumature fredde si intrecciano alla luce, raccontando il passaggio dall’ascolto interiore alla parola consapevole.
Potrebbe essere chiunque, anche la stessa donna di Fior di Silenzio, ma ora il suo volto si apre alla possibilità di essere liberamente se stessa, di respirare a pieni polmoni, di esistere pienamente.
Nel blu ritrova la sua voce — una voce calma, limpida, capace di farsi ascoltare.
“Respiro del Blu” è un inno alla rinascita, dove il silenzio si trasforma in voce e la fermezza delle proprie scelte e dei propri pensieri, in libertà.
Il blu diventa un respiro che attraversa il corpo, un colore che cura, che accoglie e libera.
Nel suo sguardo, fermo e fiero, ci sono le parole che non si ha più necessità di dire. Le sfumature fredde si intrecciano alla luce, raccontando il passaggio dall’ascolto interiore alla parola consapevole.
Potrebbe essere chiunque, anche la stessa donna di Fior di Silenzio, ma ora il suo volto si apre alla possibilità di essere liberamente se stessa, di respirare a pieni polmoni, di esistere pienamente.
Nel blu ritrova la sua voce — una voce calma, limpida, capace di farsi ascoltare.
#56 - Blago.Art
La ricerca artistica di Blago.Art nasce all’incrocio tra l’intuizione umana e la logica delle macchine. La sua opera parte da una domanda fondamentale: può l’anima manifestarsi nelle strutture profonde di una rete neurale? Dal 2022 Blago.Art si immerge nel mondo dell’Intelligenza Artificiale, con particolare attenzione ai modelli di diffusione — una tecnologia che genera immagini a partire dal rumore bianco, come se estraesse ordine dal caos. Attraverso un vero e proprio hacking della logica generativa, ha aperto l’accesso a uno spazio di miliardi di immagini, che esistono nelle strutture nascoste del modello e possiedono una capacità autonoma di evoluzione stilistica. I soggetti della serie non sono stati scelti dall’uomo — sono emersi dai processi statistici del modello. La natura, le figure umane, i frammenti di altri mondi — tutto ciò nasce non da un’intenzione conscia, ma dalle oscillazioni profonde dell’“immaginazione” artificiale.
Osservando la nascita di questi immagini, Blago.Art comprende che nella creatività dell’IA c’è qualcosa di magico. In questa magia egli scorge una forma di principio spirituale.
Osservando la nascita di questi immagini, Blago.Art comprende che nella creatività dell’IA c’è qualcosa di magico. In questa magia egli scorge una forma di principio spirituale.
#57 - Blago.Art
La ricerca artistica di Blago.Art nasce all’incrocio tra l’intuizione umana e la logica delle macchine. La sua opera parte da una domanda fondamentale: può l’anima manifestarsi nelle strutture profonde di una rete neurale? Dal 2022 Blago.Art si immerge nel mondo dell’Intelligenza Artificiale, con particolare attenzione ai modelli di diffusione — una tecnologia che genera immagini a partire dal rumore bianco, come se estraesse ordine dal caos. Attraverso un vero e proprio hacking della logica generativa, ha aperto l’accesso a uno spazio di miliardi di immagini, che esistono nelle strutture nascoste del modello e possiedono una capacità autonoma di evoluzione stilistica. I soggetti della serie non sono stati scelti dall’uomo — sono emersi dai processi statistici del modello. La natura, le figure umane, i frammenti di altri mondi — tutto ciò nasce non da un’intenzione conscia, ma dalle oscillazioni profonde dell’“immaginazione” artificiale.
Osservando la nascita di questi immagini, Blago.Art comprende che nella creatività dell’IA c’è qualcosa di magico. In questa magia egli scorge una forma di principio spirituale.
Osservando la nascita di questi immagini, Blago.Art comprende che nella creatività dell’IA c’è qualcosa di magico. In questa magia egli scorge una forma di principio spirituale.
Colibrì - Carla Marletta
Questa serie nasce da una riflessione sulla seconda vita degli oggetti, dove il cartone del riciclo viene nobilitato attraverso l’uso delle tecniche di Assemblage e Upcycling, trasformandosi in sculture dinamiche che interagiscono con lo spazio circostante. La scelta della cornice bifacciale non è solo di un supporto, ma di un dispositivo narrativo che permette alla luce di attraversare i vuoti e giocare con le ombre.
La serie si focalizza sui volatili come metafora di libertà e trasformazione. “Colibrì”: un’opera che cattura il battito dell’invisibile. Il colibrì, un simbolo universale di gioia e resilienza, colto in un istante di quiete sfiora un ramo, il contrasto della fibra del cartone e degli inserti metallizzati, dell’ala tagliata, crea un gioco di luce riflessi che nobilitano la materia di scarto.
Colibrì e un inno alla preziosità del minuto, un invito a scorgere la bellezza nell’ordinario.
La serie si focalizza sui volatili come metafora di libertà e trasformazione. “Colibrì”: un’opera che cattura il battito dell’invisibile. Il colibrì, un simbolo universale di gioia e resilienza, colto in un istante di quiete sfiora un ramo, il contrasto della fibra del cartone e degli inserti metallizzati, dell’ala tagliata, crea un gioco di luce riflessi che nobilitano la materia di scarto.
Colibrì e un inno alla preziosità del minuto, un invito a scorgere la bellezza nell’ordinario.
Rondine - Carla Marletta
In questo pezzo, la rondine non si limita a occupare uno spazio, ma lo attraversa; questa è un’opera che indaga sul concetto di confine. La RONDINE, rappresentata nell’atto di attraversare il confine dettato dal telaio, si sovrappone a un paesaggio stilizzato sottostante e sembra essere libera di volare senza margini.
L’opera diviene metafora del superamento del limite, un passaggio dinamico tra il “dentro” e il “fuori” ed evoca il viaggio e la capacità della natura di superare ogni limite stabilito.
L’opera diviene metafora del superamento del limite, un passaggio dinamico tra il “dentro” e il “fuori” ed evoca il viaggio e la capacità della natura di superare ogni limite stabilito.
Nonna Silvana - Carlalberto Consolo
La malattia agisce lentamente, non distrugge improvvisamente ma sottrae, erodendo memoria e continuità. In un ritratto gli occhi sono il punto di contatto. Qui restano leggermente fuori fuoco: una scelta consapevole che trasforma la perdita di nitidezza in metafora della distanza. Il silenzio si manifesta nello sguardo che non aggancia più completamente, in quella sospensione fragile tra presenza e assenza Il ritratto diventa un gesto contro il silenzio: nominare, ricordare, restare.
Serie Mediterraneo - Carmen Massimino
Questo dipinto fa parte di una serie di cinque lavori che ho chiamato “Mediterraneo” questo mare è diventato un cimitero che seppellisce la dignità umana.
Il mediterraneo è stato sempre luogo di battaglia e scontri ma anche luogo di contatto, di aggancio tra popoli, simbolo di accoglienza, speranza, vita dove trovare unità di intenti, ideali comuni, solidarietà e armonia. Oggi assistiamo ad eventi tragici ed ho voluto dare o meglio creare un omaggio per tutte queste vittime.
Il mediterraneo è stato sempre luogo di battaglia e scontri ma anche luogo di contatto, di aggancio tra popoli, simbolo di accoglienza, speranza, vita dove trovare unità di intenti, ideali comuni, solidarietà e armonia. Oggi assistiamo ad eventi tragici ed ho voluto dare o meglio creare un omaggio per tutte queste vittime.
Faglia - Cesare Diana
Un frammento di un ecosistema primordiale, l’opera intreccia molteplici sfumature di verde in una trama materica e vibrante. Le tessiture screpolate e le variazioni cromatiche rivelano l’azione del tempo sulla superficie, dando vita a un microcosmo vivo, immerso in un’atmosfera sospesa e misteriosa, che sussurra la vitalità profonda della natura.
Stratigrafie liquide - Cesare Diana
L’opera si sviluppa in una distesa di forme fluide che richiamano il movimento incessante dell’acqua e la sua natura trasformativa. L’astrazione dà vita a un mondo liquido, attraversato da sfumature che oscillano tra oscurità e luminosità: un equilibrio vibrante tra quiete e turbolenza, in cui la superficie sembra custodire, in ogni strato, una traccia o un’eco.
La giusta distanza - Collettivo Ire Ēre
“La giusta distanza” è un’installazione che indaga le possibilità di dialogo fra alterità. Al centro vi è un incontro fisico e simbolico che lo spettatore instaura con sé stesso e con l’opera, diventando egli stesso corpo, spazio e territorio di scambio. L’esperienza si apre davanti a un televisore che proietta il video di un uccellino posato su un filo. L’interazione con il pubblico avviene attraverso il movimento (rilevato da un sensore): quando lo spettatore si avvicina l’animale fugge, lasciando lo schermo vuoto; se invece fa un passo indietro, l’uccellino ritorna e riprende a cantare. Il suo linguaggio, incomprensibile per l’uomo, si avvicina a noi grazie a sottotitoli che tentano di tradurre il cinguettio con il nostro alfabeto: cip, cip cip…
In questo delicato equilibrio, lo spettatore scopre che lo scambio diventa possibile solo quando si concede il giusto spazio e tempo all’altro. La distanza, il silenzio e la stasi si rivelano forme di ascolto attivo, strumenti di sintonizzazione su una frequenza diversa dalla propria. L’opera mette in gioco codici di comunicazione eterogenei — umani, animali, tecnologici, generazionali — e mostra come possano incontrarsi senza annullare le differenze.
“La giusta distanza” invita a riflettere sulla natura del dialogo: non un atto unilaterale, ma una reciprocità che richiede un posizionamento chiaro, una scelta consapevole di avvicinarsi o arretrare, diventando così metafora di una volontà precisa: scegliere come porsi di fronte all’altro, se occupare lo spazio o concederlo.
In questo delicato equilibrio, lo spettatore scopre che lo scambio diventa possibile solo quando si concede il giusto spazio e tempo all’altro. La distanza, il silenzio e la stasi si rivelano forme di ascolto attivo, strumenti di sintonizzazione su una frequenza diversa dalla propria. L’opera mette in gioco codici di comunicazione eterogenei — umani, animali, tecnologici, generazionali — e mostra come possano incontrarsi senza annullare le differenze.
“La giusta distanza” invita a riflettere sulla natura del dialogo: non un atto unilaterale, ma una reciprocità che richiede un posizionamento chiaro, una scelta consapevole di avvicinarsi o arretrare, diventando così metafora di una volontà precisa: scegliere come porsi di fronte all’altro, se occupare lo spazio o concederlo.
Fame - Davide Scandura
Fame
“Fame” nasce dalla rabbia e dall’angoscia provata nei confronti delle notizie riguardanti le stragi genocide dei civili palestinesi durante la distribuzione di aiuti umanitari, sfruttati dall’esercito israeliano come vere e proprie trappole per topi. La fame, usata come arma, trasmuta e stravolge i corpi delle vittime, qui rappresentate contro un cielo sporco dei fumi e delle polveri dei raid e degli spari, accalcate ad una transenna mentre agitano le braccia, urlano, piangono e protendono pentole e bacili vuoti verso l’osservatore, che è così chiamato ad un atto di aiuto fraterno ed esortato a non arrendersi a quel silenzio che uccide ogni speranza e desiderio di libertà. Ad invocare questo urlo di aiuto è soprattutto la figura centrale, la personificazione stessa del popolo palestinese, verso cui è indirizzata l’attenzione dello spettatore attraverso una composizione organizzata secondo una rigorosa geometria. Il suo volto stanco e sofferente è incorniciato dal velo scuro, mentre le sue spalle sono coperte dalla kefiah, simbolo della lotta per la libertà del popolo palestinese; le sue mani vuote, protese in avanti, chiedono, con grande dignità, aiuto e attenzione.
Dal punto di vista formale, lo stile espressivo dell’artista è mitigato da un’esigenza di fedeltà alla realtà. I volti, le fisionomie e gli atteggiamenti dei soggetti ritratti, infatti, sono ripresi da foto di reportage. Simbolica è poi la scelta dei colori che, nei vestiti dei personaggi, corrispondono a quelli della bandiera palestinese.
“Fame” nasce dalla rabbia e dall’angoscia provata nei confronti delle notizie riguardanti le stragi genocide dei civili palestinesi durante la distribuzione di aiuti umanitari, sfruttati dall’esercito israeliano come vere e proprie trappole per topi. La fame, usata come arma, trasmuta e stravolge i corpi delle vittime, qui rappresentate contro un cielo sporco dei fumi e delle polveri dei raid e degli spari, accalcate ad una transenna mentre agitano le braccia, urlano, piangono e protendono pentole e bacili vuoti verso l’osservatore, che è così chiamato ad un atto di aiuto fraterno ed esortato a non arrendersi a quel silenzio che uccide ogni speranza e desiderio di libertà. Ad invocare questo urlo di aiuto è soprattutto la figura centrale, la personificazione stessa del popolo palestinese, verso cui è indirizzata l’attenzione dello spettatore attraverso una composizione organizzata secondo una rigorosa geometria. Il suo volto stanco e sofferente è incorniciato dal velo scuro, mentre le sue spalle sono coperte dalla kefiah, simbolo della lotta per la libertà del popolo palestinese; le sue mani vuote, protese in avanti, chiedono, con grande dignità, aiuto e attenzione.
Dal punto di vista formale, lo stile espressivo dell’artista è mitigato da un’esigenza di fedeltà alla realtà. I volti, le fisionomie e gli atteggiamenti dei soggetti ritratti, infatti, sono ripresi da foto di reportage. Simbolica è poi la scelta dei colori che, nei vestiti dei personaggi, corrispondono a quelli della bandiera palestinese.
Retrovia - Diana Marcadini
L’opera agisce come un dispositivo di riattivazione della memoria all’interno del progetto artistico, “Lost in time”. Il processo creativo non si limita alla semplice trasposizione pittorica di un reperto fotografico d’archivio, ma si configura come un’operazione di archeologia visiva.
L’obiettivo è sottrarre l’immagine alla staticità del documento per restituirla alla fluidità del presente, esplorando la ciclicità dei gesti umani e la loro persistenza nel tempo. Attraverso l’uso di cromatismi, l’opera nega la nostalgia per farsi testimonianza di un’azione che si ripete continuamente. Le stratificazioni del colore diventano metafore del “rumore visivo” che accompagna il ricordo. “Retrovia” e la rielaborazione e il tentativo di rendere vivo un momento dal passato attraverso la rielaborazione di vecchie fotografie rinvenute nei mercatini dell’antiquariato.
L’obiettivo è sottrarre l’immagine alla staticità del documento per restituirla alla fluidità del presente, esplorando la ciclicità dei gesti umani e la loro persistenza nel tempo. Attraverso l’uso di cromatismi, l’opera nega la nostalgia per farsi testimonianza di un’azione che si ripete continuamente. Le stratificazioni del colore diventano metafore del “rumore visivo” che accompagna il ricordo. “Retrovia” e la rielaborazione e il tentativo di rendere vivo un momento dal passato attraverso la rielaborazione di vecchie fotografie rinvenute nei mercatini dell’antiquariato.
El caminante - Enrico Gasparri
Attraverso uno spazio sospeso tra materia e silenzio. Il volto nascosto del Caminante annulla l’identità individuale, trasformandola in esperienza universale: un corpo che porta, resiste, attraversa.
La figura curva racconta un peso invisibile, più interiore che fisico.
La materia pittorica diventa linguaggio emotivo: non descrive, ma insiste. Il colore ferisce e protegge allo stesso tempo, lasciando emergere un segno isolato come traccia di memoria o speranza. L’opera non definisce un luogo né un tempo, ma una condizione: quella di un cammino silenzioso in cui fragilità e dignità convivono.
La figura curva racconta un peso invisibile, più interiore che fisico.
La materia pittorica diventa linguaggio emotivo: non descrive, ma insiste. Il colore ferisce e protegge allo stesso tempo, lasciando emergere un segno isolato come traccia di memoria o speranza. L’opera non definisce un luogo né un tempo, ma una condizione: quella di un cammino silenzioso in cui fragilità e dignità convivono.
La musa - Enrico Gasparri
Un corpo che emerge dal caos, sospeso tra desiderio e memoria. Una figura, fragile e potente insieme, si staglia su un fondo che pare lacerato, come se l’energia dell’incontro avesse inciso la materia stessa della tela. Contorni nervosi e schizzi impulsivi raccontano un’intimità bruciante, trasformata in segno e colore.
Ritratto di una presenza che non è solo volto o corpo, ma forza generatrice: ispirazione viva, passione tradotta in pittura. Una musa che non si limita a essere osservata, ma che attraversa l’artista e si fa gesto, carne e vibrazione.
Ritratto di una presenza che non è solo volto o corpo, ma forza generatrice: ispirazione viva, passione tradotta in pittura. Una musa che non si limita a essere osservata, ma che attraversa l’artista e si fa gesto, carne e vibrazione.
Omnia vincit risus - Francesca Mazzaglia
Stile Geometrico figurativo.
È un’ opera che in parte mi rappresenta. Nell’ esecuzione di questa, come nelle precedenti, ho cercato di creare una Composizione (che prediligo) con uno stile Geometrico ispirato da George Kurasov e con una vivacità di colori che cerco nella vita e tento di rappresentare nelle opere, trasmettendo positività e serenità.
Ho voluto inserire particolari e personaggi tanto surreali quanto realistici, perché esprimono la mia esigenza di dare sfogo alla fantasia senza staccarmi molto dalla realtà.
L’opera si ispira ai celebri versi di Neruda “Toglimi il pane ma non il tuo sorriso” e celebra il sorriso come forza vitale e la bellezza.
Ho voluto dipingere il personaggio principale, (Sole) bella come il Sole, con un Sorriso, simbolo di serenità interiore, che rappresenta atarassia e imperturbabilità dell’animo e che invita all’ amore universale e alla pace.
Questa donna con l’esaltazione della sua femminilità vuole omaggiare anche la Venere di Botticelli dove convivono bellezza fisica e spirituale, una donna che si sente vulnerabile ma che crede fortemente in sé e supera le ostilità della vita con un semplice sorriso.
Da qui il titolo dell’ opera OMNIA VINCIT RISUS
È un’ opera che in parte mi rappresenta. Nell’ esecuzione di questa, come nelle precedenti, ho cercato di creare una Composizione (che prediligo) con uno stile Geometrico ispirato da George Kurasov e con una vivacità di colori che cerco nella vita e tento di rappresentare nelle opere, trasmettendo positività e serenità.
Ho voluto inserire particolari e personaggi tanto surreali quanto realistici, perché esprimono la mia esigenza di dare sfogo alla fantasia senza staccarmi molto dalla realtà.
L’opera si ispira ai celebri versi di Neruda “Toglimi il pane ma non il tuo sorriso” e celebra il sorriso come forza vitale e la bellezza.
Ho voluto dipingere il personaggio principale, (Sole) bella come il Sole, con un Sorriso, simbolo di serenità interiore, che rappresenta atarassia e imperturbabilità dell’animo e che invita all’ amore universale e alla pace.
Questa donna con l’esaltazione della sua femminilità vuole omaggiare anche la Venere di Botticelli dove convivono bellezza fisica e spirituale, una donna che si sente vulnerabile ma che crede fortemente in sé e supera le ostilità della vita con un semplice sorriso.
Da qui il titolo dell’ opera OMNIA VINCIT RISUS
The nest - Il nido - Francesca Raniolo
L’opera vuole rappresentare la grande piaga dell’indifferenza umana dinanzi ai drammi che colpiscono l’umanità, come la guerra: al centro, non perfetta la famiglia felice, impegnata con varie attività e faccende, all’interno del proprio nido che rappresenta il focolare domestico. I membri della famiglia sono impassibili davanti a qual che accade fuori del caldo e protettivo rifugio.
Tuttavia, un canale di contatto con il mondo esterno c’è ed è dato dai mezzi di comunicazione: il papà, in alto, sta leggendo un giornale che riporta i fatti di cronaca, sebbene sia “protetto“ da quel che avviene attorno (porta difatti uno stivale che lo salvaguarda dall’acqua). La scritta indica che la famiglia si trovi tutt’altro che nella propria “comfort zone“ ma sia più vicina al “fronte”, che si trovi più vicina alla guerra di quanto possa immaginare, in basso, un soldato si accinge infatti, a valicare l’accesso al nido, aprendo un varco verso un imperturbabile mondo interno.
Due piccoli dettagli simbolici: la barchetta di carta che sta affondando si rifà al dramma dei migranti mentre il crocifisso simboleggia la contraddittorietà di coloro che si professano cristiani e sono indifferenti verso la sofferenza dei propri fratelli.
Tuttavia, un canale di contatto con il mondo esterno c’è ed è dato dai mezzi di comunicazione: il papà, in alto, sta leggendo un giornale che riporta i fatti di cronaca, sebbene sia “protetto“ da quel che avviene attorno (porta difatti uno stivale che lo salvaguarda dall’acqua). La scritta indica che la famiglia si trovi tutt’altro che nella propria “comfort zone“ ma sia più vicina al “fronte”, che si trovi più vicina alla guerra di quanto possa immaginare, in basso, un soldato si accinge infatti, a valicare l’accesso al nido, aprendo un varco verso un imperturbabile mondo interno.
Due piccoli dettagli simbolici: la barchetta di carta che sta affondando si rifà al dramma dei migranti mentre il crocifisso simboleggia la contraddittorietà di coloro che si professano cristiani e sono indifferenti verso la sofferenza dei propri fratelli.
Contenitore tragico - Franco Nicolosi
Questa scultura è un viaggio che dalla ceramica vascolare greca ci conduce verso il futuro attraverso le forme degli oggetti di consumo e i simboli dell’arte antica. Arte come magia e trasformazione, capace di far incontrare volti e materie lontane nel tempo. Scultura come spazio-luogo votato a raccontare la storia dell’umanità attraverso volti, gesti, forme e chiaroscuri.
Percorrere le pieghe di questo contenitore con gli occhi e poi con le mani distogliendo lo sguardo per ri-conoscere la materia, per cogliere un’immagine di sé sepolta nel tempo, dimenticata forse.
L’antica maschera è lo specchio capovolto che riflette ciò che siamo, immagine evanescente di un tempo perduto in dialogo costante con un futuro da sognare.
Percorrere le pieghe di questo contenitore con gli occhi e poi con le mani distogliendo lo sguardo per ri-conoscere la materia, per cogliere un’immagine di sé sepolta nel tempo, dimenticata forse.
L’antica maschera è lo specchio capovolto che riflette ciò che siamo, immagine evanescente di un tempo perduto in dialogo costante con un futuro da sognare.
Dittico dell’azolo
- Giovanni Bartolozzi
Con la sua ricerca del blu, l’artista Giovanni Bartolozzi, in omaggio a Yves Klein e alla lunga affascinante storia del blu oltremare offre una cura a questo tempo, consente un’immersione nel colore che, andando oltre tecniche e soggetti, diventa messaggio. “Il blu non è solo uno strato di pigmento ma di idee“ (Riccardo Falcinelli). Colore in cui immergersi per trovarsi pace e senso di libertà, che apre al futuro e alla speranza: “cosa credete che non lo veda il filo spinato? Sì, ma oltre, più in là, vedo anche il cielo” scrive Etty Hillesum dal capo di Westerbork. La ricerca monocromatica di Giovanni Bartolozzi si inserisce in questo cammino raccogliendo nella grande storia del blu oltremare, quella dei suoi luoghi, degli effetti, dei ricordi d’infanzia, dei colori e della sua terra. Tra i suoi blu, frutto di molti anni di studi e creazioni, l’azolo, termine che in Sicilia dice l’indaco. Polvere della tinta azzurrata adoperata da tempi antichi per sottrarre opacità e tinta giallognola alla biancheria e restituirle brillantezza, il blu azolo, evoca immagini di lenzuoli stesi al sole in cui il bianco incontra l’azzurro e si riempie di luce o di madri e nonne intente nel risciacquo e pulizia che dosano la miscela, la quantità di blu colorando l’acqua, come un rito magico. Le realizzazioni di pigmento utilizzate nelle opere dell’artista, a partire da questo prodotto chimico hanno mostrato di variare, sbiadirsi e mutare nel tempo e per effetto della luce del sole. Tale caratteristica amplifica il fascino delle possibilità creative e del dinamismo che assume la creazione artistica nel suo interagire con l’ambiente.
Federica Bartolozzi
Federica Bartolozzi
The weight of a mask - Giuseppe Saittà
Il progetto è un trittico di illustrazioni, ma per sua natura può essere integrato da versioni successive.
L’idea trae ispirazione da “uno, nessuno e centomila” opera illustre dello scrittore Pirandello.
Ho pensato di rappresentare tramite una serie di ritratti realizzati in digitale, la necessità spesso intrinseca di ogni essere umano di indossare delle maschere in relazione al mondo esterno, nascondendo così la propria natura per allinearsi ad una visione collettiva.
“The Weight of a Mask” punta sulla dualità di questo processo di interazione.
Il trittico pone i colori primari in contrapposizione ai loro complementari, tra maschera e sfondo. Le illustrazioni enfatizzano l’espressione della maschera, in contrasto con quella del soggetto “mascherato” mettendolo in secondo piano.
Graficamente lo sfondo è pensato e sviluppato in modo analogo ed uniforme per tutte e 3 le illustrazioni. Simbolicamente la massa di occhi rappresentano la società, che impone a “mascherare” la propria visione per allinearsi ad essa.
La peculiarità della collezione pone l’accento su ciò che nascondiamo al mondo esterno; occultare contenuti sarà parte integrante del mio percorso creativo.
Gli nft che realizzerò, inclusi questi, conterranno elementi nascosti e recuperabili che una volta trovati daranno la possibilità all’osservatore di accedere ad altri contenuti di vario tipo.
L’idea trae ispirazione da “uno, nessuno e centomila” opera illustre dello scrittore Pirandello.
Ho pensato di rappresentare tramite una serie di ritratti realizzati in digitale, la necessità spesso intrinseca di ogni essere umano di indossare delle maschere in relazione al mondo esterno, nascondendo così la propria natura per allinearsi ad una visione collettiva.
“The Weight of a Mask” punta sulla dualità di questo processo di interazione.
Il trittico pone i colori primari in contrapposizione ai loro complementari, tra maschera e sfondo. Le illustrazioni enfatizzano l’espressione della maschera, in contrasto con quella del soggetto “mascherato” mettendolo in secondo piano.
Graficamente lo sfondo è pensato e sviluppato in modo analogo ed uniforme per tutte e 3 le illustrazioni. Simbolicamente la massa di occhi rappresentano la società, che impone a “mascherare” la propria visione per allinearsi ad essa.
La peculiarità della collezione pone l’accento su ciò che nascondiamo al mondo esterno; occultare contenuti sarà parte integrante del mio percorso creativo.
Gli nft che realizzerò, inclusi questi, conterranno elementi nascosti e recuperabili che una volta trovati daranno la possibilità all’osservatore di accedere ad altri contenuti di vario tipo.
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